原标题：演艺之变

　　这个6月，刚刚复苏的上海演艺市场充满变化。一位观众刚抢到一场演出票，过了几天又接到延期的消息。一位停工已久的演员，忽然间收到纷至沓来的演出邀约。剧场大幕已经拉开，但在防疫要求下，目前上座率仍限制在30%。出于安全、成本、效果的种种考虑，演还是不演？如何演？都是难题。

　　上座率从30%到50%，再到100%，需要多长时间？没人能说得清。等待不是解决之道，有创意的艺术家、有担当的剧场管理者正在逆势而为。他们主动适应创作、制作、演出、传播的“新常态”，危中寻机。

　　当然，特殊时期，演出行业最大的“新常态”就是变化——一切都充满变数。这要求他们必须随机应变，做出“最积极的准备”和“最坏的打算”。

　　“轻量级”成制作新趋势

　　6月14日，全球著名的古典音乐网站medici.tv上线了莫扎特歌剧《唐·乔万尼》，由英国指挥家丹尼尔·哈丁执棒，瑞典广播交响乐团及合唱团演绎。这是疫情中的全新制作，乍一看有点“简陋”：花花公子唐·乔万尼穿的衣服，好像是从演员自己衣橱里随便拿了一件套上的。几乎没有舞美，只在舞台四周环绕了一圈小小的屏幕。

　　无独有偶，在上海，另一个版本的《唐·乔万尼》正在制作中。这个版本由上海歌剧院和澳大利亚歌剧院联合制作，包含线上线下两个版本。线上版在上海歌剧院典雅的小洋楼实景拍摄，线下剧场版舞美风格极简，服装也省了，因为唐·乔万尼在剧中摇身一变，成了我们这个时代的摇滚歌手。

　　歌剧是艺术皇冠上的明珠，制作投入大、耗时长。一部“重量级”的《图兰朵》，往往要投入数百万元，但上海歌剧院的《唐·乔万尼》，成本只有十分之一。过去一个多月，指挥家、上海歌剧院院长许忠，导演康斯坦丁·科斯蒂联手中外艺术家“云合作”，促成了这部疫情下的独特作品，下个月将在上海大剧院首演。

　　“30%上座率的限制下，‘轻量级’将成为疫情中歌剧制作的‘新常态’，因此歌剧制作会更多采用简约的音乐会版或‘半舞台’版形式。但‘轻量级’不意味着降低艺术标准，我们相信这版《唐·乔万尼》不会让观众失望，甚至会带来意想不到的惊喜。越是在困难的时候，艺术家越是要去创造，在有限的条件下激发出新的灵感。”许忠说。

　　许忠认为，《唐·乔万尼》的制作模式，将成为一段时间内经典歌剧制作的“新常态”。一方面坚持与国际一流机构“云合作”，保证水准，一方面控制好成本，渡过难关。《唐·乔万尼》之后，上海歌剧院还计划用类似模式制作《费加罗的婚礼》《乡村骑士》《丑角》等经典。“轻量级”的制作，也让未来国内外的巡演更加方便可行。

　　全球规模最大的演出机构“太阳马戏”在疫情中陷入破产危机，裁员95%，高昂的演出成本和单一的盈利模式让这个娱乐“帝国”不堪一击。在当下环境中，演出机构需要具备“风险意识”，在演出市场恢复期的创作和演出中，更多地思考，如何用最少的东西表现最多的内涵。

　　除了歌剧，其他行当也涌现了不少“轻量级”制作。“小而美”的音乐剧、室内乐演出、现代舞表演都在复苏。30%上座率限制，对许多剧目来说，是越演越亏。不少剧场主动策划、引导一些原本计划在小剧场演出的“轻量级”项目置换到大剧场。这样的做法可以有效“止损”，但在置换场地前应该思考的是，如何通过巧妙的设计，灯光舞美的辅助，让小剧目适应大剧场，避免造成“水土不服”，损失观演体验。

　　当然，“轻量级”的制作，有一天也有可能变成“重量级”，发展的眼光十分重要。未来，当剧场上座率恢复如常时，可以追加投入，升级制作，实现新的创意。百老汇许多音乐剧的制作模式就是如此，不求一步登天，而是在漫长的周期中，由小到大，一步一步孵化成长。每一步都脚踏实地，不断接受观众检验，才能降低风险，提高成功率。

　　线下+线上成观演新方式

　　疫情中，音乐家谭盾完成了作品《武汉十二锣》的创作，先后演了两场，一场线下，一场线上。有意思的是，两场演出大不相同。

　　2月，在比利时安特卫普全球首演时，海外疫情还未蔓延，谭盾指挥大乐队在台上表演，台下坐着1800个观众。首演后，谭盾在接受本报专访时说，他最大的心愿是盼疫情早日平息，带着《武汉十二锣》回家。两个月后，武汉解封，谭盾在上海直播了这部作品。彼时，国内剧场暂未开放，演出现场没有一位观众，但吸引了7000万人在线观赏。

　　这是一场真正的云上交响，表演者加在一起只有10来个，却来自黄金赌城娱乐、美国、俄罗斯、日本、保加利亚、法国、韩国、挪威等不同国度，他们于武汉、上海、纽约三地，通过5G技术在线联袂演奏。环形舞台上只有“十二锣”中的六面锣，另外六面在“云”端，透过舞台上的屏幕呈现。

　　为什么会产生这样的创意？谭盾说：“限制恰恰是创作的源泉。”排练时，音乐家们被隔离在不同地方，只好“这里弄个手机，那里弄个网络，这里弄个录像，那里用个实况”。本是无奈之举，反而成就了让人耳目一新的表演形式。

　　随着剧场逐步恢复营业，“线下”“线上”同步，成了观演“新常态”。谭盾即将参演的上海夏季音乐节，计划今年所有演出全部“上线”。夏季音乐节主办方上海交响乐团团长周平说：“疫情中我们演了太多‘云’音乐会，当6月13日，上交重新与观众见面时，音乐总监余隆指挥乐团奏出第一个音符，我和许多观众都感觉眼泪要掉下来：线下高质量的聆听是不可替代的！但30%上座率限制下，能有线下体验的观众太少了，线上直播是一种很好的补充。”

　　虽是线上线下同步，但周平认为，线上演出不能仅仅把线下内容原封不动“搬”上去，因为看直播的观众不可能像在剧场内一样，注意力不受干扰，需要通过“增量”和“互动”，让观众留得住。6月13日那场音乐会的直播，就在曲目间隙增加了旁白，介绍作品背景。“我们设想，未来在直播中可以跳出各种信息，观众可以一边听音乐，一边长知识。比如演出结束后，演奏家可以直播带货，卖‘贝多芬’T恤、‘莫扎特’马克杯等文创周边，让观众可以买买买，这种形式我们已经有过尝试。”

　　夏季音乐节艺术教育品牌，也都从“线下”走到“线上”，玩起新花样，融入新概念。往年，学生节日乐队每年都会线下报名，现场甄选，最终组成一支乐队共同排练，登台演出。今年，学生们将在网络上参与“海选”，通过网络投票“晋级”，他们还可以自己组队，进行“云合奏”。“这样一来，参与的人数更多了，而且全球学生都可以来，有助于提升音乐节的国际影响力。”

　　“国际影响力”同样是上海歌剧院院长许忠的追求。《唐·乔万尼》线上版本在7月制作完成后，计划在澳大利亚歌剧院、BBC卡迪夫国际声乐大赛及其他海外艺术机构歌剧频道播出。许忠说：“这些具有世界影响力的平台上聚集了大量歌剧迷，面向他们播出，将弥补疫情中暂时无法赴海外巡演的缺憾，让世界看到上海正在做什么。”

　　户外舞台成演艺新空间

　　音乐人罗威一直有个梦想：举办一场“邂逅日落”户外音乐会。观众在草坪上坐着或躺着，吹着风看着日落听他弹钢琴。他可以从傍晚弹到夜里，然后大家各自散去。而这个梦想即将在7月实现，“罗威的治愈小馆”将在宝山智慧湾开幕，他将在那里举行一场草坪祈福音乐会。

　　过去几年，罗威写了200多首“钢琴随笔”，其中超过150首是写给上海的“情书”。这些曲子最短的只有两分钟，最长的也不过5分多钟。赶上互联网音频自媒体的浪潮，全网收听数亿次。2018年上海进博会期间，罗威创作了一曲《外滩漫步》，外滩第一次响起属于自己的主题音乐，让漫步其中的人流连忘返。在那以后，罗威就一直希望能把音乐会开到城市不同角落——如果能在外滩、在浙江路桥上开音乐会，演奏跟这些地标有关的曲子，那该多好？

　　疫情新常态下的演出行业复苏，从空间上看，户外演出越来越多。5月30日，辰山草地广播音乐节首先登场，上海歌剧院、上海爱乐乐团接连献演，与等待已久的观众相见。上海的街头艺人，如今也已纷纷复工。一年一度的“表演艺术新天地”已经拉开帷幕，街头表演丰富多彩。7月的夏季音乐节，也将继续在城市草坪音乐广场开户外音乐会。

　　除了已有的户外演出品牌，一些剧场和演艺机构也在积极开拓户外“新空间”。上汽·上海文化广场宣布，将在7月正式开放户外舞台，在主剧场之外探索多元的演艺空间。演出将利用绿地资源，打造周末户外休闲音乐节的概念。在双休日傍晚场和晚场，举行音乐剧演员双人音乐会、音乐剧版音乐会、戏剧体验和时尚跨界活动。文化广场还将户外舞台开放给各大演出机构和个人，目前，报名者十分踊跃，作品经过甄选后上演，将丰富户外舞台演出内容。

　　疫情中，脱口秀演员走上伦敦街头表演，德国一家戏剧表演团体开始在停车场演出，观众可以开着车过来，一家人坐在汽车里欣赏一部戏剧作品，就像去汽车电影院一样。上汽·上海文化广场副总经理费元洪说：“疫情之下，缓解公众对于聚集性密闭空间的顾虑，户外舞台或将成为中间缓冲带。”

　　相对于室内剧场，户外舞台相对简陋，也有一些新挑战有待探索。没有吊杆、没有机械系统，如何让一场小型音乐会有声有色，并不简单。费元洪希望，这里不仅仅是一个演出空间，更是一个生活休闲空间。文化广场目前正在招商，在户外空间形成“市集”，同时把乌镇戏剧节上受欢迎的户外演出项目请来，与观众互动。

　　夏天正是户外演出的好时节，但也易受梅雨、台风等天气因素影响，充满不确定性。罗威的“邂逅日落”音乐会，原本计划6月进行，因为天气原因被迫延期到7月。因此，户外演出很有必要做好预案。每年的夏季音乐节，主办方都会为户外舞台的观众备好雨披和防蚊产品，如遇大雨、台风，则第一时间发布演出取消通知。

　　费元洪说：“目前，户外演出没有30%上座率的明确限制，但这不意味着演出方可以在防疫方面有所松懈。设计好观众席的间隔，避免人群聚集，做好实名制登记和场地消毒等，都十分必要。此外，户外演出不只是热闹，应当找准定位，量身打造最适合的节目内容，在艺术品质上把好关，才能真正吸引观众。”

　　专家把脉

　　云场景的智慧剧院是未来方向

　　解放周一：演艺行业复苏，更重要的是外部刺激，还是自身蜕变？

　　林宏鸣（上海大歌剧院运营筹备组组长、巴黎索邦大学博士研究生导师）：优胜劣汰、涅槃重生的案例在演艺市场并不鲜见。但在灾难面前，的确需要着眼于未来，给予演艺机构一些切实可行的政策引导和实际帮助。

　　3月下旬，德国政府推出的价值500亿欧元的一揽子针对该国艺术家和文化企业的援助计划，受到广泛关注。但我更关注的是德国文化部长莫妮卡·格鲁特斯在一份声明当中说的这么一句话：“我们应该抓住每一个机会，去为未来创造美好的事物。这也就是为什么‘艺术家’，不但是不可或缺的，而且还是至关重要的，特别是当我们置身于现在这样一个危急关头。”渡过疫情难关、走向演艺春天，从根本上来说还是要靠自身转变和升华。人类正面临一场全球危机。艺术，应该为时代、为未来留下属于自己的独特篇章。

　　解放周一：疫情中，我们通过网络听到了伊朗的洗手曲，看到了法国的口罩舞，感叹于意大利的阳台音乐会。艺术和日常生活的联系正在变得更加紧密吗？

　　林宏鸣：疫情中，艺术教育发生了从辅助角色到基础作用的转变。我的一位长居美国的朋友，夫妇俩加两个儿子，趁疫情宅家的机会，天天排练四重奏，不亦乐乎。

　　演艺行业的未来要做强、做大，需要承担起学校还不那么重视的艺术教育的重担。关键是实行两个转变，一是从丰富但并不连贯的艺术讲座、艺术活动中，精心策划和安排系统的艺术教育课程。二是更加注重艺术教育的有效性，针对现状，尽可能做到深入浅出、通俗易懂、形象生动。

　　解放周一：云技术会重塑演艺行业吗？

　　林宏鸣：云传播在改变演艺新趋势，云课堂在重新定义演艺新空间，云剧场成为演艺新景象，云技术在重塑演艺新格局。面对演艺未来的各种“云”可能，我们不能“陶醉”于网络流量的表象，关键在于如何实现受众从线上“云观”到线下体验的转换，应该清醒地认识到手段和目的的本质区别。

　　演艺机构不妨在平台建设、渠道拓展、技术创新、传播方式、在线互动等各方面多做些探索和努力，在激活受众观演需求过程中，把握好垂直深耕与水平扩充之间的关系。高等院校也可创造条件为艺术管理专业的学生，开设拍摄、编程、剪辑、特效等方面内容的讲座甚至课程。

　　解放周一：剧场的未来会发生怎样的改变？

　　林宏鸣：很多人在忙于眼前的工作，不少人在忧心未来的前途。其实我们更需要思考的是，今天我们做什么、怎么做才有未来。

　　演出最大的魅力在于现场感和互动性。作为演艺市场平台和中枢的剧院，单一的演出功能已经难以满足演艺的发展和民众的需求。以城市文化客厅的发展导向，着眼于新理念、新定位、新功能、新技术、新工艺、新材料、新能源和新体验，结合信息化和智能化手段，通过时时在线连接多媒体、物联网、大数据、人工智能以及末端动态感应等高科技终端，实现人与人、物与物以及人与物之间的智慧连接和资源共享。

　　能够实现云场景的智慧剧院是未来发展的方向。这是一种挑战，也是一个机会。